В разделе приведены рекомендации, предлагаемые
Ириной Черникиной в пособиях "О танце. О женщине. О душе."
Самое важное в творческом процессе создания танца - войти в состояние.
В движениях должна быть заложена определенная идея. Выразительность жестов украшает ваш танец. Танцевать нужно всем телом, даже глазами. Создавая свой танец, мы становимся хореографами своей жизни, умеющими правильно использовать свои ресурсы. Мы создаем пространство, в котором перевоплощаемся, разыгрывая различные ситуации и переживания. Сколько длится музыка, столько продолжается танец. Каждый раз он может изменяться по-новому в зависимости от нашего нынешнего состояния, не подчиняясь жестким внешним схемам.
Внешняя форма отражает внутреннее побуждение. Можно станцевать любовь, можно ненависть. Основные движения могут быть одни и те же, главное при этом состояние танцовщицы и мелкие нюансы в исполнении.
Психологи нашли некоторую закономерность: упорядоченность, в отличии от хаоса, воспринимается как нечто красивое. Регулярное повторение каких-либо элементов в танце обычно быстро надоедает. Для удовлетворения мозга в новизне необходимы затейливые перемены. Нужно постоянно лавировать между двумя крайностями: переусердствуешь с постоянством, танец будет монотонным и скучным. Дашь излишнюю волю переменам - зритель быстро потеряет интерес из-за неспособности воспринять красоту в многообразии ощущений. Танец оказывается энергетически насыщенным и уравновешенным, если танцовщица сумеет правильно подобрать соотношения между тремя основными его составляющими - пластическими движениями, трясками и ударами.
В танце желательно найти правильный темп, помня, что танец - это музыка в действии.
Создание коллективного танца.
Когда танцует коллектив, в первую очередь важно добиться синхронности движений. Танец удается лишь тогда, когда все знают правила игры. Если кто-то выпадает из общих рамок танца, разбивается функциональное единство и рушится гармония. Ощущение общности в танце оказывает возбуждающее действие на зрителя. Возникает желание присоединиться к танцующим и слиться с их ритмом. Танцоры в коллективе держат ведущий ритм, а сменяющиеся солисты вносят разнообразие. При этом сольная фаза подчеркивает индивидуальные возможности исполняющего, а коллективная делает упор на сплоченность. Ведь, чтобы было от чего отклоняться, нужна неизменная основа. И сильным, и начинающим осваивать движения, если они не желают выпасть из общего ритма, приходится сливаться воедино. Танец становится взаимодействием между участниками, где каждый поддерживает другого. Появляется возможность интересных наработок: умение чувствовать своих партнеров, следовать общим курсом не теряя себя.
Танцевальный коллектив в театре, т.е. на сцене, сплачивается вокруг хореографа, который осуществляет постановку танца, учитывая сильные стороны каждого и при поддержке коллектива.
Сценический коллективный танец достигает своей наибольшей выразительности в балете. Здесь наиболее ярко представлены как массовые сцены, так и сольные номера.
Коллективный танец на сцене показывает законы общества и учит правильному поведению. Для этого есть отрицательный и положительный герой. Каждый выполняет свою задачу, все важны в общей картине повествования. Главное - это содержание, то, чему учит тот либо иной герой.
Этот танец для зрителя, на задуманный сюжет. Задача такого танца, как и сцены вообще - воспитание народа. Но бывает коллективный танец для себя - это такой танец как хоровод - танцующие образуют некую общность и движутся четко все вместе, слившись воедино в одном движении.
Народный танец всегда носил в основном характер коллективного - это объединяет людей, помогает уважать и ценить каждого, как единую клеточку общего
организма.
Каким бы ни был коллективный танец - это всегда слаженное синхронное действие. В этом его характерное отличие - сплоченность и единство коллектива, где каждый несет посильный груз, где все поддерживают и помогают друг другу, образуя некоторую общность людей, идущих к единой цели.